Tarea 3. Trabajo de investigación
Hola a todos!!
A continuación os dejaré el trabajo de investigación que he realizado sobre el dibujo artístico.
He disfrutado mucho haciéndolo y, sobre todo, he aprendido más acerca de este campo tan amplio.
Espero que os guste, y al igual que a mí, os sirva para aprender!
TRABAJO DE INVESTIGACIÓN
Lenguajes gráficos: el dibujo artístico
2º Grado en Maestro en Educación Primaria
Sandra Jiménez Gonzaga
70845723L
ÍNDICE
1. INTRODUCCIÓN
2. DEFINICIONES
3. EVOLUCIÓN DEL DIBUJO
3.1. EVOLUCIÓN HISTÓRICA
3.2. EVOLUCIÓN DEL DIBUJO INFANTIL
4. PROCESO DE DIBUJAR
5. TÉCNICAS, MATERIALES Y SOPORTES DE DIBUJO
6. TEMAS EN EL DIBUJO
7. MEJORES TÉCNICAS DE DIBUJO EN LA ACTUALIDAD
8. ARTISTAS DESTACADOS DEL DIBUJO ARTÍSTICO
9. REFERENCIAS DIRECTAS O INDIRECTAS AL DIBUJO EN LA LOMLOE
10. PROPUESTA DIDÁCTICA
10.1. INTRODUCCIÓN
10.2. OBJETIVOS
10.3. CONTENIDOS
10.4.COMPETENCIAS
10.5. ACTIVIDADES
11. CONCLUSIÓN
12. ANEXOS
13. BIBLIOGRAFÍA
1. INTRODUCCIÓN
En este trabajo realizaré una investigación acerca del dibujo artístico.
En primer lugar, comenzaré con dar una definición de qué es el dibujo artístico. En segundo lugar, explicaré la evolución que ha tenido el dibujo, tanto la histórica, es decir, la evolución que ha sufrido a lo largo del tiempo, como la evolución en el dibujo infantil, las diferentes etapas por las que va pasando el niño hasta que consigue llegar al dibujo.
Después analizaré en qué consiste y qué pasos hay que realizar durante el proceso de dibujar y también hablaré de los temas más comunes que suelen ser representados. Además, trataré las distintas técnicas, materiales, útiles y soportes de dibujo que se emplean para alcanzar un resultado final.
Para traer el dibujo artístico más a nuestro entorno, mencionaré las mejores técnicas de dibujo empleadas en la actualidad y los artistas más destacados en esta disciplina.
Por último, explicaré las referencias directas o indirectas al dibujo que se encuentran recogidas en la LOMLOE y realizaré una propuesta didáctica para llevar este tema y disciplina artística a las aulas.
Finalizará con una pequeña conclusión personal y la bibliografía empleada en esta investigación.
2. DEFINICIONES
La palabra dibujo proviene del latín, del término “designare”, el cual significa designar o señalar.
El dibujo es una forma de expresión gráfica, un arte, que consiste en mostrar, representar o plasmar objetos o imágenes que se corresponden con la realidad sobre una superficie plana a través de diferentes tipos de útiles y materiales.
Este concepto tiene un proceso diferente al de pintar, ya que el dibujo es generalmente exploratorio, tiene una ejecución espontánea y breve, suele ser monocromo, por lo que no emplea muchos colores, y el recurso comunicativo utilizado es la línea, es decir, el elemento principal, mientras que en la pintura es la mancha.El lenguaje gráfico es aquel que utiliza imágenes bidimensionales como una forma de representación y comunicación. Transmite ideas y estados de ánimo, es decir, comunica una intención, sin la necesidad de recurrir a las palabras. Por tanto, es un lenguaje universal ya que de un modo gráfico es entendido por todos, incluso en diferentes culturas y lugares.
El término dibujo artístico es una disciplina que consiste en trazar, delinear y representar artísticamente cualquier figura real, es decir, figuras humanas, animales… o figuras abstractas.
Se puede definir como el lenguaje de las formas, el cual supera las barreras idiomáticas, nos ayuda a expresarnos aún de manera inconsciente emociones, sentimientos o ideas por medio de trazados y figuras creativas.
No se puede relacionar o identificar con una sola técnica, además, esta disciplina requiere tener conocimientos y dominar principios y conceptos técnicos y tener una capacidad de análisis y observación de los objetos. Por tanto, podemos decir que es el estilo de dibujo más libre ya que nos permite emplear todo tipo de técnicas, materiales y soportes en función de la intención que tenga el artista.
3. EVOLUCIÓN DEL DIBUJO
3.1. EVOLUCIÓN HISTÓRICA
La historia del dibujo es tan antigua como la de la humanidad, ya que el hombre buscó expresarse. Nuestros antepasados hace medio millón de años tuvieron la necesidad de dejar su marca y de plasmar todo aquello que les rodeaba y se encontraba a su alcance, como su estilo de vida, naturaleza, actividades que realizaban, etc.
Encontraron en el dibujo una forma de expresión, un lenguaje universal, que usaron para inmortalizar y dejar constancia de sus acciones y creencias, y que gracias a esto tenemos conocimiento sobre ellas en la actualidad.
Antes de aprender a escribir incluso ya realizaban dibujos. Al igual que el tiempo ha ido evolucionando, el dibujo también lo ha hecho y ha ido desarrollándose a través de la historia, del mismo modo ha ocurrido en las técnicas y materiales que se emplean en él.
El avance en los descubrimientos que iban realizando y el avance en la organización social iba haciendo que el dibujo fuera modificándose y que llegara a conformar sistemas de símbolos como medio de expresión.
•Historia del dibujo en la Prehistoria:
Se puede considerar que su origen tuvo lugar en la Prehistoria, en el Paleolítico Superior, donde el Hommo Sapiens plasmaba los animales que cazaba en las paredes de la cueva o sobre las propias pieles de estos.
Los restos más antiguos encontrados se sitúan en Francia, en la cueva de Chauvet, los cuales datan según los expertos de 30000 - 10000 a.C. No se sabe con exactitud la intención con la que fueron realizados pero representan extremadamente una realidad.
Es interesante el empleo de colores que realizaban y el aprovechamiento de las grietas y volúmenes de las piedras de la pared que hacían para dar más realismo y viveza a los dibujos, poniendo de manifiesto nuevamente la gran capacidad mental que tenían para producir imágenes a través de la realización de líneas y manchas.
El soporte no siempre fue el papel, como podemos comprobar, ya que los hombres de las cavernas emplearon para realizar sus dibujos y, así poder expresarse, todo tipo de soportes, como conchas, pieles de animales que cazaban, las paredes de las cuevas…
Uno de los registros más antiguos y conocidos de nuestro país son los restos encontrados en la Cueva de Altamira, encontrada en 1875 en Cantabria.
La mayoría de estas pinturas representan animales y escenas de la vida cotidiana, se pueden apreciar algunas manos y símbolos.
Es un lugar de enorme vestigio de pinturas rupestres y por ello ha sido declarado por la UNESCO como patrimonio de la humanidad en 1985, convirtiéndose en un referente social y científico.
•Historia del dibujo en la Edad Antigua:
Los antiguos egipcios hace 35000 años a.C. empezaron a decorar y pintar las paredes de sus templos y tumbas o también a ilustrar papiros.
La temática era muy variada, representaban escenas de la vida cotidiana que realizaban ejecutadas con gran realismo, o de motivo religioso, como dioses o ritos. Ya empezaron a realizar dibujos cada vez más complejos.
Un rasgo característico en esta época es que los dibujos se realizaban de perfil, donde solo se podía apreciar el tronco y los ojos. Otra característica eran los colores planos que empleaban, es decir, sin difuminar o degradar, y la falta de perspectiva que tenían.
Usaban pigmentos naturales que extraían de la tierra, con ella fabricaban una especie de pasta la cual empleaban en la pintura como colores.
•Historia del dibujo en la Edad Media:
En esta época el dibujo se empleaba principalmente para exaltar y glorificar la figura de Dios, a la vez que se realizaba una función evangelizadora para transmitir la religión a toda la población.
Fue de vital importancia el empleo del color, muchos de los manuscritos realizados por monjes fueron adornados con oro.
Los soportes más frecuentes eran los pergaminos o telas, las pinturas murales o las tablillas. Claramente se puede apreciar una evolución en el dibujo y en las técnicas empleadas.
También es evidente la mejora y avance en la arquitectura de las catedrales, las cuales implicaban un buen dominio del dibujo para realizar los bocetos en los cuadernos, de los que no se tiene constancia pero se tiene una creencia de que serían de materiales como cal, en los que se pudiera hacer líneas y borrar con facilidad después.
Los dibujos tuvieron otra gran función importante en la Edad Media, aparte de la religiosa, como la de ayudar a los artistas a mantener un registro de las imágenes y obras que realizaban o usaban con frecuencia, lo que facilitaba el proceso de dibujar.
•Historia del dibujo en la Edad Moderna (Renacimiento):
El dibujo renacentista ha influido mucho en el nacimiento de lo que ahora conocemos como dibujo. Surgió en Europa en Italia, en 1400, momento en el cual el dibujo fue visto por primera vez como una forma de arte y se convirtió en un pilar fundamental para la transmisión de conocimientos artísticos.
Los estudiantes que se iban a dedicar al mundo del arte, se entrenaban en dibujo antes de pasar a otros ámbitos como pintura o escultura. Muchos de estos bocetos o apuntes que realizaban para posteriormente ejecutar figuras o edificios se siguen conservando y son de gran importancia.
En esta etapa se desarrolló la geometría, la proporción, etc, siendo la más importante la perspectiva cónica, inventada por Brunelleschi.
Se encontró en el dibujo una herramienta clave para investigar, registrar y plasmar el mundo con exactitud.
Los artistas empezaron a estudiar de forma minuciosa la representación de la figura del cuerpo humano y comenzaron a dibujar a partir de modelos desnudos, siendo esta cada vez más realista.
También fue frecuente el decorado interior de iglesias y edificios públicos. Al tener gran dimensión requerirían de una gran preparación.
Los materiales empleados por los artistas renacentistas fueron la tiza, la tinta, el papel de colores, la pluma… todo esto iba a depender de la finalidad que el autor le fuera a dar a la obra.
Se introdujo el sombreado y las luces para lograr un efecto pictórico realista.
•Historia del dibujo en la Edad Contemporánea:
Durante este periodo se produce una expansión del dibujo y acoge nuevas técnicas, salió de entre las paredes del artista y se abrió paso en el mundo de la cultura, la política y la vida social, es decir, se liberó de tradiciones pasadas. Este cambio se hizo más notorio en Francia.
Ahora las composiciones realizadas por los artistas presentaban una simetría, una relación de proporciones y una perspectiva con punto de fuga central.
Emplean nuevas técnicas como el óleo sobre lienzo, los pasteles, crayones, etc, para lograr así obras con un resultado magnífico que dan inicio a nuevos movimientos, como es el caso del realismo.
3.2. EVOLUCIÓN DEL DIBUJO INFANTIL
El dibujar va más allá que una simple actividad de entretenimiento y placentera, ya que a través de este lenguaje permite al niño expresar sus emociones, sentimientos y vivencias, además, de ser un medio de análisis que nos va a permitir conocer y determinar a través de la realización de formas y empleo de colores aspectos de su desarrollo y formación de su personalidad. Por lo tanto, el dibujo es una representación de la realidad desde el punto de vista del niño.
Existen diferentes etapas por las que el niño va pasando:
• Etapa del garabato:
En esta primera etapa, que va desde los dos años hasta los cuatro, el niño comienza a realizar sus primeros trazos, son los precursores al dibujo y a la escritura.
Sus movimientos son amplios, por ello es importante ofrecer amplias superficies sobre las que pueda pintar.
Se divide en tres etapas:
- Garabato sin control:
Esta etapa va desde el primer año hasta el año y medio.
El niño dibuja por muro placer del movimiento y de la marca que va dejando en el papel, la cual es desordenada y sin ningún tipo de control. No presta atención a sus trazos, realiza movimientos que implican todo el brazo, y va hacia delante y hacia detrás, sin intención de representar figuras o formas.
El contacto del niño con el lápiz y el papel es exploratorio, debido a la maduración visomotora que tenga a esta edad, y habitualmente el niño mira para otro lado. (Ver anexo 1)
- Garabato controlado:
Esta etapa se produce a los seis meses de garabatear, en torno a los dos años de edad.
El niño establece una relación entre los trazos y movimientos que realiza, es decir, comienza a dar forma a los garabatos.
Se empieza a observar un agrupamiento de trazos y un nacimiento de las formas cerradas y cruces, en lugar de hacer líneas inconexas.
Quiere comunicar algo, el dibujo tiene una intención, pero aún no tiene la habilidad para poder plasmarlo en el papel.
Descubre que el ojo guía la mano y disfruta de este ello. También empieza a experimentar con los colores. (Ver anexo 2)
- Garabato con nombre:
A esta edad, alrededor de los tres años y medio, se puede ver cómo el niño empieza a combinar los círculos y las líneas.
El dibujo adquiere una intención, las representaciones ya tienen algún parecido a objetos o figuras humanas, pero sin el suficiente detalle como para identificarlas. Por tanto, es una etapa de gran trascendencia, ya que el pensamiento pasa de kinestésico a imaginativo. (Ver anexo 3)
Dentro de ella se distinguen tres momentos:
1) La verbalización sobre el grafismo, en la que no hay relación entre representación y el objeto representado.
2) La verbalización se une al grafismo, pues empiezan a aparecer entre las representaciones y el objeto representado.
3) El grafismo manda en el lenguaje, ya que el niño anuncia previamente a realizar el dibujo lo que va a representar.
•Etapa preesquemática:
En esta segunda etapa, que transcurre desde los cuatros hasta los siete años, el niño comienza a dar un significado y sentido a sus dibujos.
Hay tres etapas:
- Evoluciona la figura humana:
Aparecen las primeras formas en las que se puede identificar a objetos o personas. Al principio suelen representar las figuras con la cabeza muy grande, al igual que los ojos, y realizan un trazo como prolongación del cuerpo. También aparecen objetos juntos o flotando. Esto es debido a que aún no guardan las proporciones ni la orientación.
Poco a poco van incorporando otros elementos, como el pelo. Esta figura se suele llamar como cabezudo, monigote o renacuajo. (Ver anexo 4)
- Consolidación de la figura humana:
En esta etapa ya se puede identificar la figura humana con claridad porque tiene muchos detalles y ya ha madurado con cinco años diferentes estructuras cognitivas.
El rostro ya tiene ojos y bocas, aunque no nariz ni orejas, ya empieza a expresar emociones en los dibujos a través de pintar sonrisas a las figuras, lo que nos demuestra que el niño ya logra interpretar su entorno. (Ver anexo 5)
- Aparece el personaje en situación (contexto):
El niño ya no solo dibuja figuras humanas y objetos, empiezan a aparecer otros elementos como los coches, el sol… Dibuja no solo lo que ve, sino lo sabe, es decir, crea escenas y situaciones reales, representa su realidad.
Es muy importante el uso emocional que da al color, ya que no se suele guardar relación con la realidad pero nos da información de sus emociones, sentimientos y personalidad. (Ver anexo 6)
•Etapa esquemática:
En esta tercera etapa de siete a nueve años, el dibujo se hace más adulto y empieza a respetar las reglas, como la perspectiva, los detalles, el orden en las relaciones espaciales, el espacio - tiempo…
Además, empiezan a relacionar los colores con la realidad y repite la aplicación del mismo.
Empieza a evolucionar la forma y proporción de la figura humana, puede exagerar o suprimir partes en función a su experiencia. En esto va a influir mucho la actividad del maestro. (Ver anexo 7)
•Etapa realista:
A partir de los nueve años, el niño empieza a dibujar lo que conoce y no lo que ve, conocido como realismo visual, enriquece el dibujo y hace una representación literal de la realidad, mantiene la línea base inicialmente, busca la proporción de los objetos y descubre la superposición de elementos.
En esta etapa se combina la imaginación y la representación mimética de las cosas, los temas de dibujo ya se empiezan a diferenciar y a expresar las características del sexo. Aún el niño no es consciente de las sombras ni del claroscuro y se comienza a notar un conocimiento consciente de la decoración y el diseño, hace una representación detallada.
El dibujo comienza a tener más intensidad y fuerza visual y el niño quiere representar una realidad, es por ello que critica y ve cómo infantil los dibujos que realizaba en las etapas anteriores. (Ver anexo 8)
•Etapa pseudonaturalista:
En esta etapa de los once años hasta los trece es cuando se marca el fin de la actividad de dibujar como un entretenimiento y actividad espontánea, pues pasa a apreciarse el desarrollo del razonamiento y con ello la crisis de la adolescencia.
Se produce una tendencia a la caricatura y a exagerar las características sexuales. Proyecta su personalidad en los dibujos de figuras humanas y realiza autocríticas con sus trabajos, por tanto da mucha importancia al resultado o producto final. (Ver anexo 9)
•Periodo de la decisión:
En esta última etapa comenzada a los trece años, el niño decide qué técnica desea perfilar o perfeccionar.
Los temas de las obras varían dependiendo de la intención e interés del autor, pudiendo ir de lo extremadamente realista a lo abstracto.
Se preocupan por el medio y la apariencia, hacen una interpretación estética de la forma, el equilibrio y el ritmo, y una representación de la perspectiva, luces y sombras y atmósfera.
Además, expresan sus sentimientos y emociones a través del color y se preocupan por la autoexpresión y lo emocional.
Los artistas de este periodo suelen estar motivados por la defensa de cuestiones sociales, emocionales o para mejorar sus propias técnicas, lo que permite que surjan nuevos estilos individualistas. (Ver anexo 10)
4. PROCESO DE DIBUJAR
Dibujar requiere de un proceso que se va mejorando y perfeccionando con el paso del tiempo y de la práctica. Esta mejora va a dotar al artista de un desarrollo de estilo propio y personal. No obstante, antes de realizar esto, deberá conocer y tener unas nociones básicas de las leyes o principios básicos que le ayudarán a emprender este camino y a ponerlos en práctica.
Estas nociones básicas son:
- Actitud:
Solemos frustrarnos con el resultado de nuestra obra porque no era lo que esperábamos y esto conlleva que nos desanimemos y no queramos más seguir dibujando, porque pensamos que no sabemos, y es por ello que debemos de cambiar esta actitud ya que es lo primero que más nos condiciona a la hora de dibujar.
- Materiales:
Hay un gran número de materiales, como veremos en los siguientes puntos a desarrollar.
Lo más importante es acertar en la elección de los materiales y elegir los más adecuados para obtener un buen resultado.
- Posición:
Debemos mantener una buena posición a la hora de dibujar. Para ello es muy importante la distancia que mantengamos con respecto a la hoja, la cual no debe estar ni muy cerca ni muy lejos, puesto que esto influirá en la proporción óptica.
También es muy importante la inclinación del papel, la cual no debe ser completamente horizontal con respecto a la superficie. Todo esto va a depender del tamaño del dibujo.
Por último, otro aspecto fundamental a tener en cuenta es la posición de la cabeza respecto al papel, ya que la vista deberá ser perpendicular a la superficie donde estemos dibujando.
Pasos para realizar un dibujo:
Uno de los primeros pasos es realizar un boceto, un dibujo rápido que nos ayudará a captar y a recordar las características esenciales de aquello que vayamos a dibujar. Es la prueba del dibujo en un papel aparte y por ello es conocido como “primer pensamiento”.
Realizaremos dibujos esquemáticos para representar con la mayor exactitud posible lo que queremos expresar. Debemos olvidarnos de los detalles y de los elementos innecesarios, pues solo utilizaremos los elementos claves que nos ayudarán a fijar la imagen en nuestra memoria. Es de gran utilidad cuando se dibujan exteriores o figuras que están en movimiento.
Se pueden realizar bocetos con diferentes técnicas como la acuarela, el óleo… aunque lo más adecuado es el lápiz.
Si el boceto es muy simple y está realizado de manera natural se conoce con el nombre de apunte.
El boceto y el apunte no están destinados a ser mostrados al público, lo que nos permite realizar ejercicios libres y espontáneos. (Ver anexo 11)
Otro paso muy importante es el encaje, que son aquellas líneas generales que se trazan en el papel definitivo pero que luego van a ser borradas o tapadas, y constituyen una base para el dibujo. Consiste en reducir a formas simples aquellas estructuras que son más complejas de los objetos.
Es conveniente tener algunas nociones de perspectiva, pues nos ayudarán a que nuestros dibujos representen la realidad de una forma más convincente. (Ver anexo 12)
En el proceso de valorización, definiremos las distintas tonalidades que le daremos a nuestro dibujo, para así conseguir más realismo y volumen.
Para poder percibir las formas de nuestro cuerpo han de estar iluminadas por una fuente de luz. Cuando los rayos de luz inciden en los cuerpos opacos, dependiendo de su dirección respecto a estos, producen diferentes grados de iluminación.
Se distinguen las siguientes zonas de iluminación: (Ver anexo 13)
- Zona de brillo, donde la luz incide directamente.
- Zona de penumbra, en esta zona la iluminación es más suave ya que recibe la luz de manera indirecta.
- Zona de sombra propia, no recibe ninguna iluminación puesto que se encuentra en el lado opuesto a la zona de brillo.
- Zona de sombra arrojada o proyectada, que son las zonas oscuras que el objeto produce debido a la aproximación con este.
También es fundamental observar en qué dirección procede la luz que ilumina nuestro objeto. Esta puede ser frontal si viene desde el frente del objeto y produce pocas sombras, lateral si la luz se sitúa a un lado, cenital si está perpendicular y arriba del objeto, inferior si esta viene desde abajo, y por último, a contraluz, si la luz llega desde detrás y los volúmenes del objeto no pueden percibirse.
Al dibujo se le puede dar o no color, a través de diferentes técnicas como la acuarela, la tinta, etc. Este puede ser plano si es homogéneo, o con textura, la cual se puede conseguir a través de diferentes técnicas y materiales.
5. TÉCNICAS, MATERIALES Y SOPORTES DE DIBUJO
Existen diferentes técnicas de dibujo y se pueden dividir y clasificar según en el medio en que se disuelven y agruparse en dos grandes categorías: secas y húmedas.
• Secas: son aquellas en las que la pintura es sólida y no es necesario disolvente para su aplicación.
- Lápices de grafito: son el medio más común para dibujar. Tiene distintos grados de dureza. (Ver anexo 14)
- La letra H indica que el lápiz es duro.
- La letra B que es blando.
- Cuanto más alto sea el número que acompaña a la letra, más duro o blando será el lápiz.
El grafito es un carbono natural sacado que se crea por la presión de la tierra sobre la madera.
Existen diferentes tipos de lápices como el lápiz hexagonal estándar, el lápiz redondo, el portaminas, etc.
Se suele utilizar principalmente el soporte de papel o papel de colores claros.
Se caracteriza por su facilidad al ser borrado y existen diferentes tipos de goma como son las gomas de pan o las gomas de borrar estándar.
- Lápices de colores: antes los artistas no los empleaban en el proceso de dibujar debido a su poca resistencia a la luz. En la actualidad esto ha mejorado y permite realizar dibujos con una gran cantidad de tonos de colores. Hay diferentes grados de dureza y son muy sensibles a la naturaleza de la superficie del soporte, por tanto hay diferencias en el resultado dependiendo de este, como es en el caso del papel suave, el cual es el mejor para su permanencia y detalle.
Están compuestos por pigmento, relleno (por ejemplo de tiza) y de aglutinante. Se fabrican de la misma manera que los lápices de grafito, pero en este caso las minas no se calientan en un horno porque si no los pigmentos serían destrozados.
- Rotuladores: es una técnica que está en continua evolución. Tiene como elemento principal la línea, lo que le aporta texturas, puntos, ritmos, etc.
La punta está hecha de pequeñas fibras finas de nylon, con una punta de bola metálica o cerámica. Esta punta va sujeta al cilindro de plástico que lleva dentro un tubito de fieltro impregnado en tinta o anilina. La tinta fluye hacia la punta mediante un delicado mecanismo capilar.
Se puede conseguir una amplia gama de colores y tiene la posibilidad de diluirse con alcohol para provocar efectos de aguadas similares a los de la acuarela. Debido a sus características, primero se aplican los colores claros y luego los oscuros.
- Ceras:
son pinturas grasas excelentes para pintar y mezclar colores. Presentan una gran gama de colores muy amplia, la cual es posible oscurecer o aclarar según la presión que se ejerza o al mezclar con el color blanco.
Tienen una increíble resistencia, la cual les permite grabar, diluir e incluso calentar.
Están hechos con una mezcla de pigmentos con cera y grasa animal como aglutinante, lo que las aporta una plasticidad muy característica en los dibujos.
El mejor soporte para dibujar con ellas es el papel rugoso y de grano medio, para así cubrir con mayor facilidad y rapidez la superficie de la hoja.
- Carbón: se emplea para hacer dibujos preparatorios y dibujos con un gran detalle de claroscuro.
Es muy utilizado por los artistas ya que tiene un uso muy flexible ya que produce manchas con gran facilidad y posibilita cubrir grandes superficies. Además, permite la realización de finas líneas, sobre todo si se perfila y se le da punta con una cuchilla.
Está formado por madera quemada y suele ser común la madera de sauce.
El más común es el carboncillo, pero existen diferentes tipos según su grosor, como el carboncillo para decorados o el lápiz de carbón.
Cualquier soporte es válido, pero los más recomendados son aquellos que sean suaves y granulosos.
- Pastel: son pigmentos secos en polvo, que se encuentran moldeados en una barrita al ser mezclados con goma de tragacanto o resina.
Existe una variedad de estos en función de la dureza y forma que posean. Las barras que son más blandas aportan más brillo.
Ofrece una gran gama de colores y es muy útil para realizar trabajos con degradados.
Es muy importante el color y la textura del soporte ya que va a influir en el resultado final. Los más adecuados son el papel lija y el papel ingres. (Ver anexo 15)
•Húmedas: son aquellas en las que los pigmentos se encuentran diluidos en un medio acuoso o aceitoso y los colores se aplican con ayuda de pinceles u otros instrumentos.
- Pluma y tinta: es una técnica tradicional en el dibujo que nos permite realizar diversas líneas y hacer detalles en el sombreado. Su trazado es directo, fijo y permanente, por lo que se necesita una gran técnica y mucho control y precisión.
La más común es la pluma de ave o de caña, pero existen diversos tipos como la pluma cartográfica, la pluma técnica, etc.
La tinta más utilizada es la china y no es resistente al agua. Son similares a la acuarela pero penetran más en el papel y son mates.
El soporte más adecuado es el papel grueso y de superficie dura, o la seda, pero también se puede utilizar lienzos. Los mejores papeles son los chinos y japoneses, debido a su absorción.
6. TEMAS EN EL DIBUJO
Existen diversos temas, al igual que en la pintura, lo que nos permite poder hablar de diferentes géneros según su contenido o tema que traten y representen
Se distinguen cuatro grandes temas:
• La figura humana y el desnudo: (Ver anexo 16)
Este tipo de dibujo requiere tres aspectos fundamentales, los cuales hay que analizar:
- La proporción: es imprescindible conocer el canon, es decir, las reglas que establecen la proporción perfecta o ideal de la figura humana e indica las relaciones armónicas entre las partes del cuerpo.
- El movimiento: para dibujar el esquema de la figura humana hay que tener en cuenta las proporciones y la posición de los elementos del cuerpo, es decir, el eje vertical para mantener el equilibrio, el eje longitudinal que recorre el cuello, el tronco, las piernas y los brazos, y por último, los ejes transversales, es decir, los hombros y las caderas.
- La anatomía: tras realizar las fases anteriores hay que empezar a dar detalles teniendo en cuenta la anatomía del cuerpo humano, partiendo de lo general a lo particular.
• El retrato y el autorretrato: (Ver anexo 17)
El retrato es uno de los principales motivos del dibujo realizados por los artistas, incluso se lo realizan así mismos, y esto es conocido con el nombre de autorretrato.
Debe reflejar la apariencia de uno mismo, el alma y la esencia de la persona representada, la personalidad y el estado de ánimo, a través del estilo y expresividad que utilice.
Limita las posibilidades del autor y su libertad, debido a que debe mantener un parecido con la realidad y naturaleza del sujeto. Por ello es muy importante aprender a ver y el conocimiento de las proporciones y medidas del rostro.
• El paisaje: (Ver anexo 18)
Es la representación de la naturaleza o de una zona geográfica determinada desde el punto de vista del autor. Este término es relativamente reciente y poco a poco va adquiriendo importancia.
Cada artista tiene un determinado lenguaje para representar lo que el paisaje le sugiere de aquello que le ha llamado la atención. Algunos son más detallistas, minuciosos y expresivos, y otros emplean un trazo más libre.
Se puede emplear el color o no, la línea o la mancha, pero todos tendrán una gran sensibilidad y belleza.
Hay que tener varios aspectos en cuenta:
- El encuadre, la parte de la escena que queremos representar
- La perspectiva, la cual creará la sensación de profundidad.
- Los elementos visuales, como la línea, la textura o el color que emplearemos.
- Las técnicas y materiales, que influyen directamente en el resultado final y en la elección de los elementos anteriores.
• El bodegón: (Ver anexo 19)
También conocido como naturaleza muerta, es un género que se caracteriza por mostrar y representar objetos inanimados en entornos caseros, como la cocina. Normalmente se suelen representar vegetales, vajillas, joyas, animales recién cazados o flores.
Conforman un reto para el artista ya que tiene que representar objetos que están en constante movimiento y cambio, y transformarlos de manera que parezcan inertes.
En cualquier lugar puedes encontrar la inspiración, solo hay que mirar con ojos de artista, lo que nos abre la posibilidad en cuanto al diseño de la escena ya que podemos trabajar diferentes composiciones de objetos, colores, formas, luces y sombras, etc.
Cuatro aspectos importantes:
- Selección de objetos a representar.
- La composición de los objetos seleccionados.
- La iluminación de la escena a representar, ya que de ella dependen los volúmenes de los objetos y, por tanto, el resultado final.
- Es muy importante elegir la técnica más adecuada con lo que queramos transmitir. Existen diversas, como las secas o húmedas, vistas anteriormente.
7. MEJORES TÉCNICAS DE DIBUJO EN LA ACTUALIDAD
Al igual que la sociedad y la perspectiva de las cosas, la concepción y expresiones artísticas también lo han hecho, debido a que el arte es un reflejo de la realidad y mundo en el que vivimos.
A día de hoy se aprovechan todos los avances y se busca plasmar obras más dinámicas y reales, debido a que nos encontramos en un mundo más comercial y estilizado.
Ya no existe una única forma de hacer arte, ya que existen miles, como veremos a continuación. Algunas de ellas son:
• Palm painting: (Ver anexo 20)
El artista Russel Powell, gran artista autodidacta, es capaz de realizar una obra de arte en la palma de su mano y plasmarla en cualquier tipo de soporte, como por ejemplo en una superficie plana, como si se tratara de un sello.
Realiza cuerpos enteros, animales, personas, paisajes…
• Fire painting: (Ver anexo 21)
Es una técnica novedosa en la que el único pigmento que se emplea es el “hollin”, una sustancia crasa y negra que el humo deposita en la superficie de los cuerpos, que se genera tras el calor de la llama del fuego.
Para realizarlo se ayuda de una espátula, bolígrafo o pluma.
• Hiperrealismo a lápiz: (Ver anexo 22)
Consiste en reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía, hasta conseguir réplicas casi exactas a la realidad.
Se caracteriza por trabajar a través del círculo el delineado del lápiz creando así un efecto maravilloso y sorprendente en el que incluso se puede llegar a apreciar hasta los poros de la piel.
En ese estilo destaca el artista Franco Clun.
8. ARTISTAS DESTACADOS DEL DIBUJO ARTÍSTICO
• Pablo Picasso:
Pablo Diego Jose Luis Picasso, más conocido como Picasso, fue un artista español precursor del movimiento cubista, nacido en Málaga.
Su libertad estilística hizo que pasara de un estilo a otro sin ninguna transición, por lo que fue considerado como un genio, ya que en apenas segundos podía realizar una obra maestra.
Realizó un gran trabajo artístico, en el que desarrolló el dibujo académico y el dibujo creativo que lo llevó a una gran simplificación de la forma.
Fue deformando sus dibujos hasta llegar al cubismo, pero en general, sus obras siempre han sido académicas y figurativas.
Aprendió a pintar gracias a su padre, quien era profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmodentro. Además, entró muy pronto a la escuela de Bellas Artes en Barcelona.
Es considerado como uno de los artistas más famosos e importantes de la historia del arte, debido a que siempre dejó una huella en sus diferentes etapas, como en el cubismo, el surrealismo, la abstracción… Demostró gran cualidades en pintar cuerpos humanos, que le dotaron de un gran reconocimiento en el mundo.
Su cuadro más destacado y famoso es, sin duda, Guernica. (Ver anexo 23)
• Rubens:
Pedro Pablo Rubens, fue un artista que destacó por su visión del arte y la figura del cuerpo humano.
Tenía una gran maestría en el dibujo de figuras humanas, como en lo musculosos que representaba a los hombres, y a la mujeres con generosos cuerpos, los cuales eran considerados como un placer para la vista. Además, dominaba el manejo de la luz, la sombra y el color.
Principalmente pintaba sobre óleo y abundaban los temas religiosos e históricos y muchos retratos. Su pintura es grandilocuente, es decir, con pomposidad, pero también delicada y sensible.
Su obra más destacada es El descendimiento de la cruz. (Ver anexo 24)
• Da Vinci:
Leonardo Da Vinci, fue un artista renacentista nacido en Anchiano, Italia. También fue anatomista, arquitecto, paleontólogo, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista.
Realizó bocetos en cera y en grafito, con la intención de dar otra estética a sus obras. La mayoría de estas son pinturas sobre tablas, pero también las hay en mura, en gran papel, etc.
Destacar la capacidad y dominio que tenía de la combinación de luces y sombras y la utilización de la técnica del esfumado. Empleó técnicas innovadoras y realizó una profunda representación de la anatomía humana y animal, la botánica y la geología.
Sus obras más destacadas son La última cena (Ver anexo 25) y La Gioconda. (Ver anexo 26)
• Gustavo Doré:
Paul Gustavo Doré fue un artista francés, pintor, escultor e ilustrador. Era un genio en cuanto a los detalles y precisión de las figuras, daba mucha importancia a las sombras y a los encuadres, teniendo una fascinación por la bidimensionalidad fotográfica.
No solo realizó grabados, sino que también trabajó con la pintura al óleo, la acuarela y la escultura.
Con su fascinante imaginación, creó escenas oníricas e ilustró diversas obras de la literatura universal como el Quijote de Cervantes (Ver anexo 27), El cuervo de Edgar Allan Poe, etc.
Dio a ver mediante el filtro de su “ojo visionario” el espectáculo de los mundos poéticos que procedían de su creatividad y fantasía, así como la búsqueda constante de nuevas fronteras.
9. REFERENCIAS DIRECTAS O INDIRECTAS AL DIBUJO EN LA LOMLOE
La Ley Orgánica de la Educación (LOMLOE) es la normativa que regula el sistema educativo en España. Fue aprobada en 2019 tras sustituir a la anterior ley, la cual era la Ley Orgánica de Mejora de la Calidad Educativa (LOMCE), que llevaba en vigencia desde 2013.
El área de Educación Artística es de especial relevancia, puesto que involucra a los alumnos en diferentes dimensiones como la sensorial, emocional, afectiva, etc. Favoreciendo de esta manera el desarrollo de la creatividad, la imaginación o la atención, entre muchas.
Es una herramienta de gran poder ya que puede ayudar a producir importantes cambios en la sociedad, puesto que promueve la concienciación y ofrece distintas soluciones a problemas, como puede ser el calentamiento global.
Además, en este área se van a plantear situaciones de aprendizaje que requieran de una acción continua, como una actitud abierta y colaborativa, de modo que el alumnado construya una cultura y práctica artística sostenible y personal que le aporte unos valores y formación que le hagan desarrollarse como persona.
Dentro de esta nueva ley, podemos encontrar en ella referencias al dibujo de manera directa o indirecta.
En el caso de las competencias específicas de los tres ciclos, se enuncia el propósito de expresar y comunicar de manera creativa ideas, sentimientos y emociones, experimentando con las posibilidades del sonido, la imagen, el cuerpo y los medios digitales, para producir obras propias.
Además, se encuentra dentro de los saberes básicos de esta área, puesto que se indica que se trabajarán los materiales, instrumentos, soportes y técnicas de uso común utilizados en la expresión plástica y visual. También serán tratados los medios, soportes y materiales de expresión plástica y visual. Y, por último, se aprenderá a valorar tanto el proceso como el producto final en producciones plásticas, visuales, audiovisuales, musicales, escénicas y performativas.
10. PROPUESTA DIDÁCTICA
10.1. INTRODUCCIÓN
En esta sesión trataremos con los alumnos del curso de 2º de Educación Primaria el dibujo artístico, en la asignatura de Educación plástica y visual, área del bloque de asignaturas específicas durante toda la etapa escolar.
Los contenidos habrán sido explicados con anterioridad, por lo que el fin de esta sesión será consolidar y afianzar que se han adquirido los conocimientos explicados en el aula.
La propuesta se realizará durante dos sesiones de 50 minutos cada una aproximadamente.
10.2. OBJETIVOS
Los objetivos que pretendemos conseguir durante estas dos clases es que los alumnos adquieran conocimientos y valores sobre esta materia y que desarrollen capacidades como la creatividad y concentración.
Para ello realizaremos una serie de actividades con las que comprobaremos que se ha conseguido nuestro objetivo propuesto.
Según la LOMCE, la cual entró en vigor en 2021, los objetivos que pretendemos conseguir son los siguientes:
- Conocer y apreciar los valores y las normas de convivencia, aprender a obrar de acuerdo con ellas de forma empática, prepararse para el ejercicio activo de la ciudadanía y respetar los derechos humanos, así como el pluralismo propio de una sociedad democrática.
- Desarrollar hábitos de trabajo individual y de equipo, de esfuerzo y de responsabilidad en el estudio, así como actitudes de confianza en sí mismo, sentido crítico, iniciativa personal, curiosidad, interés y creatividad en el aprendizaje, y espíritu emprendedor.
- Utilizar diferentes representaciones y expresiones artísticas e iniciarse en la construcción de propuestas visuales y audiovisuales.
- Conocer el sentido del dibujo y sus diferentes aplicaciones.
10.3. CONTENIDOS
Los contenidos que serán trabajos durante estas sesiones, extraídos de la LOMLOE son:
Bloque A. Recepción, análisis y reflexión:
- Estrategias básicas de recepción activa que favorezcan el disfrute y el respeto. Construcción del propio gusto y referente creativo.
Bloque B. Experimentación, creación y comunicación:
- Fases del proceso creativo de propuestas plásticas, visuales y audiovisuales: planificación guiada y experimentación.
- Actitud activa e interés tanto por el proceso como por el producto final en producciones plásticas, visuales y audiovisuales.
- Materiales, instrumentos, soportes y técnicas elementales utilizados en la expresión plástica y visual.
- Herramientas elementales adecuadas para el registro de imagen y sonido.
10.4.COMPETENCIAS
La competencias que trabajaré en estas sesiones han sido extraídas del currículum de Educación Primaria, recogidas en la LOMLOE son las siguientes:
- La competencia personal, social y aprender a aprender. Esta competencia contribuye al desarrollo de habilidades que permiten al alumnado seguir aprendiendo a lo largo de la vida, cultivando un pensamiento propio, autoconfianza y comprender la resiliencia como parte del proceso creativo.
- La competencia en conciencia y expresión culturales supone comprender y respetar el modo en que las ideas, las opiniones, los sentimientos y las emociones se expresan y se comunican de forma creativa en distintas culturas y por medio de una amplia gama de manifestaciones artísticas y culturales. Implica también un compromiso con la comprensión, el desarrollo y la expresión de las ideas propias y del sentido del lugar que se ocupa o del papel que se desempeña en la sociedad.
10.5. ACTIVIDADES
• Primera actividad: (Ver anexo 28)
En esta actividad pondré en práctica la técnica del esgrafiado en el aula.
Se trabajará el dibujo libre, y de esta manera se potencia en los niños el desarrollo de la creatividad, ya que no tendrán limitaciones a la hora de realizar sus obras. Del mismo modo, expresarán libremente sus emociones y sentimientos, sus experiencias vividas y el punto de vista que tienen del entorno en el que viven.
Al comenzar la clase se le repartirá a cada alumno, es decir, será una actividad individual, una cartulina blanca o un papel grueso, el cual deberán pintar con lápices de colores o crayones, de la manera que quieran, pero rellenando toda la superficie de la cartulina.
Tras cubrir toda la hoja con los crayones, pintaremos con témpera negra y un pincel la obra realizada anteriormente y esperaremos a que se seque.
En una siguiente clase, tras haberse secado la cartulina con la témpera negra, los alumnos deberán realizar el esgrafiado, con un palillo que se les proporcionará, con total libertad.
El esgrafiado es una divertida técnica para hacer dibujos, ya que a medida que van realizando los dibujos van descubriendo los colores ocultos bajo la pintura.
Es una actividad muy sencilla y fácil de realizar, que además es ideal para trabajar la motricidad fina, a la vez que la creatividad e imaginación.
Materiales:
- Cartulina blanca o papel grueso.
- Crayolas de colores.
- Témpera negra.
- Pincel.
- Palillos o punzones.
• Segunda actividad: (Ver anexo 29)
Para completar el tiempo de secado de la anterior actividad, se realizará un segundo ejercicio.
En ella, cada alumno realizará de manera individual un autorretrato de forma libre, utilizando diferentes materiales como pinturas de cera o lápices de colores, en un folio que se les proporcionará a cada uno.
Podrán emplear para su realización diversas técnicas de dibujo para crear el autorretrato a su manera. Además, deberán decorar el fondo de la hoja.
El autorretrato es una actividad divertida con la que van a estimular su imaginación, les ayudará a organizar sus ideas, mejorarán y desarrollarán su autoestima y adquirirán habilidades para resolver problemas.
Los niños van a poder expresar aquello que consideran importante para ellos, aprender cómo son y cómo quieren presentarse al mundo, por lo que desarrollarán su propia identidad.
Materiales:
- Folio en blanco.
- Lápices de colores y ceras.
Temporalización ambas actividades:
*Al ser necesario el secado de la témpera para proseguir con la actividad, se retomará la misma en otra sesión.
Es decir, al pintar con témpera negra la cartulina, se pasará a la actividad del autorretrato. Posteriormente, en la siguiente sesión se retomará la actividad del esgrafiado y se finalizará.
Evaluación:
Se llevará a cabo una evaluación a través de la observación, es decir, de manera sistemática, tomando notas sobre el alumno. Por lo que tendremos que implicarnos de manera directa en el proceso de enseñanza aprendizaje.
11. CONCLUSIÓN
Los niños son artistas naturales, y es por ello que tenemos que fijarnos y prestar más atención a sus composiciones artísticas, ya que los dibujos son mucho más que una forma de expresión. Esto es debido a que son el medio a través del cual los niños expresan sus estados emocionales y sentimientos y, sobre todo, aprenden a cómo regularlas, a resolver los conflictos y tensiones acumuladas, es decir, constituyen para ellos una forma de liberación.
El niño refleja la percepción del mundo y de las cosas que él tiene desde su punto de vista, manifiesta sus experiencias vividas o aquellas que le han transmitido, y esto nos permite conocer su desarrollo y evolución. Con el dibujo conoceremos aspectos que forman su personalidad e identificamos en determinadas situaciones su estado afectivo y emocional.
A los niños les cuesta expresar sus emociones ya que les resultan abstractas y no suelen entenderlas, por ello, con la ayuda del dibujo se puede lograr entenderlas y que el niño las exteriorice.
A medida que van creciendo y se desarrollan, cada vez sus dibujos se hacen más realistas, elaborados y detallistas, puesto que tienen una mayor experiencia y saben expresar mejor sus sentimientos y emociones.
Los psicólogos usan el trazo de los niños para estudiar y conocer su estado anímico y, por tanto, su desarrollo. Suelen fijarse en varios aspectos como por ejemplo:
- Si el niño realiza un trazo muy marcado, puede significar que es más enérgico o que está más en tensión. Si por el contrario, hacen líneas suaves y discontinuas, se puede tratar de niños muy sensibles.
- El uso de una amplia gama de colores también nos indica que son creativos e imaginativos, por tanto, probablemente sus dibujos no se ciñan a la realidad. Los colores rojo, amarillo o naranja representan vitalidad, mientras que el azul y verde sensibilidad y tranquilidad. Por tanto, podemos conocer más de su personalidad sin que el niño lo exprese.
- Los niños tímidos tienden a representarse a sí mismos de una manera más diminuta, lo que nos indica una baja autoestima.
Por tanto, tras todo lo anterior, considero que es muy importante y necesario potenciar y fomentar esta actividad en los niños, ya que les aporta concentración, creatividad y tranquilidad y muchos beneficios motores, intelectuales y emocionales. Además, les va a ayudar a formar su personalidad y a mejorar su psicomotricidad, debido a que tendrán que realizar una correcta coordinación de la vista y la mano, y más adelante, les resultará muy útil en la lectoescritura.
12. ANEXOS
Anexo 1
Anexo 3
Anexo 4
Anexo 7
Anexo 8
Anexo 9
Anexo 10
Anexo 11
Anexo 12
Anexo 13
Anexo 14
Anexo 15
Anexo 16
Anexo 17
Anexo 18
Anexo 19
Anexo 20
Anexo 21
Anexo 22
Anexo 23
Anexo 25
Anexo 26
Anexo 28
Anexo 29
13. BIBLIOGRAFÍA
González, J. (2020, 8 octubre). Dibujo renacentista: guía paso a paso.
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Técnicas secas y húmedas. (s. f.).
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Dibujo y niños: más que una forma de expresión. (s. f.).
Roldán, M. J. (2021, 3 abril). Tu hijo expresa sus emociones a través del dibujo. Etapa Infantil.
Educación artística: competencias específicas, criterios de evaluación y saberes básicos. (s. f.). Ministerio de Educación y Formación Profesional.
BOCYL, 2022
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